Loading...
11 results
Search Results
Now showing 1 - 10 of 11
- Metacinema as authorial enunciation: a taxonomy of hybrid filmsPublication . Chinita, FátimaABSTRACT - Metacinema is a cinephilic enterprise: whereas some film directors, bound by their urge for expression, seek to make their authorial discourse on such matters manifest; some compulsive film viewers aim to become film directors themselves. Both gladly engage with authorial enunciation, which evinces the technical and aesthetic work and choices undertaken by the film directors together with their “cinevision,” i.e., their worldview and artistic philosophy made explicit as the films’ on message(s) (or “discourse”). Taking metacinema as a practice situated in between reflexive cinema and cinema about cinema, this article defines it as simultaneously revealing the technique, including the apparatus that enables it, and the authorial discourse that voices the director’s position on his or her art. In order to better explain the four simultaneous conditions of metacinema in my own conception of it, an empirical taxonomy of hybrid films— one of the categories in a larger taxonomy I devised elsewhere—is drawn here. Thus the tautological expression of “self-reflexive metacinema,” as a deliberate thematization of this reflection, is expounded, with ample and varied examples, over a threefold enunciative taxonomy composed of three subcategories focusing on, respectively, the production stage, entailing the creative work of the filmmakers; the reception stage, illustrating the emotional and physiological response of the viewers; and a well-balanced comingling of these two stages. Through this categorization, it will become obvious that metafilms are the essence of metacinema, because in them the artists look foremost for the materiality of expression whereby they find themselves.
- O repeat viewing no contexto do metacinemaPublication . Chinita, FátimaPartindo da explicação daquilo que neste ensaio se entende por “metacinema” e a sua relevância como discurso autoral sobre a sétima arte, aborda-se o fenómeno do visionamento múltiplo de uma mesma obra (aspeto conhecido em inglês como “repeat viewing”). Este fenómeno permite um contato privilegiado entre o meta espetador, propenso a aderir em maior grau aos metafilmes, e o meta realizador, inclinado a construir uma carreira em torno da execução dos mesmos. Em causa está o visionamento e o fabrico de obras, direta ou indiretamente, especializadas no universo cinematográfico. A mediação do dispositivo cinematográfico na projeção em sala ou a apropriação de novas e cada vez mais versáteis tecnologias de captação e reprodução audiovisual permite transformar o vidente cinéfilo num utilizador compulsivo, conferindo ao cinema atualmente uma dimensão háptica que ele não detinha da mesma forma anteriormente. O espetador apropria-se de obras criadas por outrem, atribuindo-lhes uma nova forma e um novo sentido, mas dentro de um contexto cinéfilo. Inversamente, o criador é voluntariamente apropriado pela indústria, permitindo o consumo de si mesmo nas edições em videograma e trabalhando internamente as obras e os seus mecanismos formais e narrativos para geraram maior e mais multiplicadas formas de consumo junto dos espetadores. Assim se fomenta uma jornada que não é do herói, mas sim do vidente. Para concluir, defende-se que a maior acessibilidade fílmica permitida pela disseminação de novas janelas de consumo cinematográfico incrementa o repeat viewing e uma apropriação cada vez maior das obras, mas em contrapartida, pode desencadear a nulidade do discurso metacinematográfico e o esboroar do metacinema como tal.
- Transvase: quando a ficção invade a realidadePublication . Chinita, FátimaABSTRACT: Adopting the concept of metalepsis, as explained by Gérard Genette, I intend to tackle the miscegenation of ontological worlds as practiced in metacinematic films dealing either with the creator or the spectator and made famous with Woody Allen’s film The Purple Rose of Cairo (1985, EUA). Assuming the existence of two adjoining fictional universes, one of them intrafilmically projected onto a screen and the other positioned in front of it so as to create or observe the other, one realizes that, in fact, they both communicate in a more intense way. That is, they both can cross the barrier that separates them and function, literally, as communicating vessels thrusting themselves onto the other side of fiction. The use of this screen passage technique – which I call ‘spilling narrative’ – although it takes place inside the film, at an intradiegetic level, cannot be considered a simple comic effect. In actuality, it is a very serious affair, denoting the authorial intervention as a reflexive practice of écriture by means of a mise en abyme, according to Lucien Dällenbach. Therefore, the fictional spilling over of worlds which totally blends together both sides of the twice artificial universe of the fabula, represents the emotional and intellectual involvement of the creator with his/her creation and of the spectator with the world watched. Both illustrate the desire of fusion inherent in the acts of creation and reception. My approach will be based on Gabriele Salvatores’ Happy Family (2010) and Wojciech Marczewski’s Escape from the ‘Liberty’ Cinema (1990).
- O auteur a ver-se a si mesmo ao espelho: as alegorias do enunciador em Jean CocteauPublication . Chinita, FátimaABSTRACT - Jean Cocteau, French cinema auteur avant la lettre, has consecrated his uniqueness to the defense of the “poet” and the promotion of its artistic ideals, before the French Nouvelle Vague inspired the break away from the filmic tradition and ahead of the eulogistic tendency to consider the director the undisputed creative entity of the filmmaking process. The Orphic trilogy expresses Cocteau’s cinematic philosophy in action. In other words, it reveals the way by which the creative entity affirms itself as the major filmic enunciator, through an allegorical relationship with vision. Therefore, Cocteau’s self-reflexive metacinema conjoins, in a fertile attunement, the starting point and the ultimate goal, the creation and the reception. Without being exactly a cinema about the cinema, this artistic practice is, nonetheless, very much with the cinema, feeding as it does on its essence. The films Le Sang d’un poète (“The Blood of a Poet”, 1932), Orphée (“Orpheus”, 1950) and Le Testament d’Orphée, ou ne me demandez pas pourquoi! (“Testament of Orpheus”, 1960) recreate, in allegorical form, the double creative function: the look of the directing entity reflects the gaze of the observer, just as this one always restores the presence of the creator. In short: Cocteau’s films, more than anyone else’s, deliberately reflect its auteur as enunciator.
- Meta-cinematic cultism: between high and low culturePublication . Chinita, FátimaABSTRACT - Meta-cinema can depict film viewers’ attitudes towards cinema and their type of devotion for films. One subcategory of viewers - which I call meta-spectators - is highly specialized in its type of consumption, bordering on obsession. I contend that there are two main varieties of meta-cinematic reception, not altogether incompatible with one another, despite their apparent differences. As both of them are depicted on meta-cinematic products, the films themselves are the best evidence of my typology. My categories of film viewers are the ‘cinephile’, an elite prone to artistic militancy and the adoration of filmic masters; and the ‘fan’, a low culture consumer keen on certain filmic universes and their respective figures and motifs. I will base my rationale on four films that portray such reception practices: Travelling Avant (Jean-Charles Tacchella, 1987, FRA), The Dreamers (Bernardo Bertolucci, 2003, UK/FRA/ITA); Free Enterprise (Robert Mayer Burnett, 1998, USA); Fanboys (2009, Kyle Newman, USA).
- Metanarrativa cinematográfica: a ficcionalização como discurso autoralPublication . Chinita, FátimaA metanarrativa cinematográfica, que começa por radicar num ímpeto fundamentalmente humano — a tendência para a efabulação — transforma-se num discurso autoral por via da atenção prestada ao ato enunciativo em si mesmo, eventualmente ligado ao enunciado que o motiva. Ao evidenciar uma atividade de narração que se centra sobre os seus fundamentos narrativos (significado do prefixo “meta”), um filme ficcional enuncia-se a si próprio como artefacto emanado de uma mente criativa (seja ela a do realizador e/ou do argumentista) e tendo o storytelling como temática. O discurso autoral sobre esta matéria pode, em nossa opinião, dividir-se em três grandes categorias, consoante a participação mais ou menos explícita que nelas tem o “enunciadormor”, normalmente referido como “autor implícito”: metanarrativas intradiegéticas, quando a voz narrativa é predominantemente das personagens; metanarrativas extradiegéticas, quando a articulação de histórias é organizada de forma assumida pelo próprio autor; narrativas híbridas, quando os filmes são autorreflexivos e dotados de mise en abyme perfeita ou simbiótica, espelhando ao nível da diegese o trabalho enunciativo operado fora dela, no ato constitutivo. Formalmente situado entre o encaixamento e a aporia, o cinema metanarrativo comprova que na arte contemporânea a forma é já parte do seu próprio conteúdo.
- To be or not to be… seen: o regime do (in) visível em Hamlet (2000)Publication . Chinita, FátimaO presente ensaio aborda o filme Hamlet (2000, Michael Almereyda, EUA) como uma rescrita audiovisual da peça homónima de William Shakespeare. Neste caso, o campo semântico visão/olhar encontra a sua natural expressão num discurso metacinematográfico, envolvendo uma relação entre as instâncias autoral e espetatorial, mediadas pelo filme. Partindo de teorias fenomenológicas, psicossemióticas, psicanalíticas e narratológicas – congregadas num todo versando a natureza ótica e escópica do cinema - o artigo analisa a dimensão espetatorial contida na peça de Shakespeare (e mais ainda no filme de Almereyda), a qual funciona sempre em prol da manutenção do espetáculo, o que implica ser-se visto a ver e não apenas olhar e/ou ser-se olhado.
- The tricks of the trade (un)exposedPublication . Chinita, FátimaOne of the filmic trends which has been neglected by the Academy Awards is the metacinema, which for practical purposes I will consider to be a cross between the complexities of the self-reflexive cinema (highly connoted with modernism) and the Hollywood Film (the classical films about the urge to ‘make it’ in Hollywood). Indeed, these films have always existed and some, as Sunset Boulevard (Billy Wilder, 1950, USA) and Mulholland Dr. (David Lynch, 2001, FRA/USA), have even made it to the ceremony, but were, predictably, defeated in the main categories, by other more ‘serious’ or less self-reflexive products. The United States has always insisted on not revealing the tricks of the trade while, ironically, generating films that deal with this theme, in order to cater to the curiosity of the metacinema-inclined spectator. For this reason such films are usually about the universe of cinema but not its medium, at least not in a way that discloses the operations of the technical apparatus. Why are these films not viewed as serious enough and artistic enough to be awarded Oscars by the Academy in the categories of Best Picture, Best Director, Best Screenplay, and Best Cinematography? Are they being discarded for the same reasons that comedy and musicals usually are? Or are they being punished for being too unveiling? Or is the industry going for commercial products that can easily be pushed on a global scale and make a profit?
- Cine-grafias: o filme de arte poética como forma de documento subjectivoPublication . Chinita, FátimaNaquilo que Laura Rascaroli (2009) designa como cinema subjectivo e Alain Bergala (1988), Jean-Pierre Esquenazi e Alain Gardies (2006) apelidam de cinema do Eu encontramos documentários metacinematográficos, simultaneamente (auto)reflexivos e sobre o cinema em geral. Nesta categoria, o hibridismo formal e de conteúdo faz-se sentir sobretudo no Filme-ensaio e no Auto-retrato que mostram o cineasta como um profissional de cinema em plena actividade. Em ambos os casos existe auto-representação, sendo que o cineasta se interpreta a si mesmo com contornos autobiográficos. Em algumas situações podemos desaguar no Filme de Arte Poética (do latim ars poetica) segundo Yannick Mouren (2009), que manifesta de modo autoconsciente e discursivo a práxis cinematográfica do artista; ou então no Filme Testamento, uma resenha artística do próprio criador em fim de carreira. O modo como estes conceitos e práticas se intersectam de forma cada vez mais híbrida, leva-me a defender o conceito de Cine-Grafias, aplicado a formas cinematográficas de escrita, a um tempo expressivas e voltadas para o Eu do artista. A última longa-metragem de Jean Cocteau, Le testament d’Orphée, ou ne me demandez pas pourquoi! (1960), será o estudo de caso em apreço, permitindo-me concluir que as cine-grafias são autênticos documentos – que atestam de uma existência concreta – não obstante a sua relação com o real ser batente duvidosa – mas que funcionam prioritariamente como textos.
- O metacinema norte-americano e o storytelling: de Orson Welles a David LynchPublication . Chinita, FátimaABSTRACT: The American metacinema which, by tradition, is narrative but extremely formulaic favours the story above the telling. No man contributed more to alter this state of affairs than Orson Welles, whose cinematic practice exalted the filmic enunciation and linked it more explicitly to the narrative intentions of the creator, making it obvious that metanarrative is synonymous with metacinema. With Citizen Kane (1941), in particular, the cinema was made more disnarrative, as meant by French writer/director Alain Robbe–Grillet, well ahead of Modernism. The fragmented narration, the temporal convolutions, a tendency for paradox and the interpretative obstacles all come together to anticipate the serial practice of David Lynch in his last four features. Structuring the films in segments which constitute different but complementary versions of the same events, Lynch manages to express the director’s enunciation along with the narration of the characters, reinforcing the role of the telling in the midst of the story. In INLAND EMPIRE (2006) the use of mise-en-abyme as a way of duplicating stories and tellers further increases the objective and complicates what is clearly the reign of the puzzle or mind-game film. In the footsteps of Welles, Lynch contributed for an outbreak of metanarrative / metacinematic crossover indie films closer to the European aesthetic practice but still very much within the American narrative tradition.